diumenge, de juliol 07, 2013

Nueva página del Postgrado de Teatro en la Educación

Tomás Motos y Antoni Navarro (sesión inicial)
"Si buscas resultados diferentes, 
no hagas siempre lo mismo" 
Albert Einstein



Tal y como os habíamos comentado ya está casi a punto la nueva página del Postgrado de Teatro en la Educación de la Universitat de València. Para entrar en la nueva página lo podéis hacer por medio del enlace o escaneando el código QR que tenéis a continuación con la app BIDI del móvil.

Código QR de la nueva página
del Postgrado de Teatro en la Educación
En esta nueva plataforma on line del Postgrado hemos intentado agrupar las diferentes páginas y redes sociales que gestionaban para  que os sea más fácil encontrar toda la información que buscáis. Además nos hemos marcado los objetivos siguientes:

  • Facilidad de descarga de documentos básicos para toda persona que quiera iniciarse como talleristas de teatro y educación. Como todos los documentos estarán subidos con sus correspondientes tags o etiquetas en el buscador del blog los podréis encontrar con un solo click.
  • Puesta en valor de las redes sociales que son las que nos ayudan a crear esta comunidad virtual de práctica educativa en la que nos retroalimentamos en equipo (ved la barra de redes de Facebook para los eventos; Twitter para el microbloging o informaciones rápidas para los que queréis estar al día de las novedades sobre teatro y educación; Vimeo y YouTube para los vídeos seleccionados y los que iremos subiendo; Flickr con todas las carpetas y el histórico fotográfico; y el RSS para quien se quiera subscribir.
  • Barra de redes sociales para que podáis compartir con vuestro entorno las informaciones que consideréis importantes.
  • Espacio de comentarios en el blog para visibilizar vuestra opiniones sobre todo aquello que consideréis oportuno.
  • Página de contacto para que nos dejéis cualquier sugerencia que ayude a mejorar nuestra práctica docente y creadora.

dimarts, de juliol 02, 2013

Galería de avecteatre





La galería de avecteatre en Flickr.

Ací teniu un resum fotogràfic d'aquest meravellós grup del Postgrau de Teatre en l'Educació de la Universitat de València (Spain).

dijous, de juny 13, 2013

Los dossieres didácticos con instrumentos de la Web 2.0

Cada vez más los grupos de teatro desarrollan una vertiente educativa con la intención de fidelizar a los públicos a los que se dirigen pero también con el firme propósito de eliminar las barreras entre los creadores, el proceso de gestación de las obras de teatro y la recepción por parte del público.

Los instrumentos didácticos que nos proporciona la Web 2.0 permiten que este proceso de acercamiento paulatino de los creadores a su público se haga cada vez más fluido y con más frecuencia. Los "community manager" entran a formar parte no solo de la estrategia de marketing de los grupos de teatro, sino más bien como gestores de visibilización en las redes del proyecto teatral que cada grupo quiere llevar a cabo.

Por nuestra parte los docentes de teatro estamos aprendiendo a desarrollar instrumentos que permitan la comprensión del hecho teatral. Para ello os vamos a presentar algunos de estos instrumentos que de una forma u otra nos ayudan a la formación de espectadores:

  1. Dossieres didácticos para descargar aunque consten de links y referencias para ayudar a los docentes a introducir a los alumnos en el tema de la obra. La finalidad es descargarlos y utilizarlos antes, durante y después de la asistencia al espectáculo.
  2. Dossieres didácticos on line con sus links que se pueden insertar en páginas educativas y consultar como libros digitales.
  3. ODE (Objetos Digitales Educativos).
  4. Cazas del tesoro sobre temas teatrales.
  5. WebQuest sobre teatro en la educación.
Aunque de momento no podemos ofrecer auténticas ODE relacionadas con teatro en la educación sí que contamos con múltiples WebQuest sobre el tema. Una WebQuest en realidad sería un proyecto de trabajo con soporte de internet y todas las posibilidades didácticas que la Web 2.0 nos permite para colaborar, compartir, difundir y divulgar nuestro proyecto educativo teatral. Como decíamos cada vez más son los grupos de teatro que desarrollan esta vertiente pedagógica como un elemento creativo. Ejemplos:

dijous, de juny 06, 2013

Escenotecnia y producción teatral

En este módulo analizaremos las posibilidades de la TIC (Tecnologías de la Información y la Comunicación) para diseñar escenarios virtuales. De la mano de Jose Luís Ulizarna, experto en pedagogía y tecnologías aplicadas a la educación nos adentraremos en el uso de las herramientas siguientes:

  • Paint para crear imágenes o retocar archivos básicos.
  • Photoshop CS para retocar archivos, digitalizar imágenes y crear efectos.
  • PPT para generar escenarios virtuales con todo tipo de efectos.
  • Windows Media para producir durante la base de creación del escenario los archivos de vídeo y sonido.
  • Windows Movie Marker para capturar y editar pequeñas secuencias de video.
  • Grabador de sonidos para grabar locución y efectos en formato wap.
  • Win DAC 32 para convertir pistas dca de audio en archivos wap.
  • Audacity para editar archivos de sonido y tratarlos digitalmente.
El objetivo de este módulo no es el aprendizaje completo de los distintos programas sino el de utilizar su potencialidad y las opciones que proporcionan para lograr la finalidad principal: crear un escenario virtual. 

dilluns, de maig 20, 2013

La plástica de la representación teatral en el medio escolar y socioeducativo


¡ARRIBA EL TELÓN! O ¡CASI TODO LO QUE QUISO SABER  
SOBRE LA PUESTA EN ESCENA DE UNA OBRA DE TEATRO!

El ser humano es siempre expresión: el gesto, una mirada, las palabras, un dibujo, el movimiento… crean la magia de la comunicación.
Comunicación que una misma persona expresa de manera plurilingüe, capacidad para utilizar  diferentes lenguajes, capacidad de pasar de un lenguaje a otro.
La expresión dramática (juego dramático, dramatización, teatro… ) posibilitan la creación propia y personal del “lenguaje total”, desarrolla las inteligencias múltiples.
La expresión dramática trabaja de manera globalizada las competencias básicas.

¿Qué debemos trabajar? 
Recrear un espacio para realizar una representación / A partir de un espacio improvisar una dramatización.
Disfrazarse y jugar con el personaje / Estudiar el personaje y crear su vestuario.
Manipular materiales y realizar una escenografía / Diseñar la escenografía y buscar los materiales.
…/…
Todos los caminos son buenos si nos llevan al desarrollo de un proceso creativo.

¿Quién es  dinamizador del proceso creativo?
El pedagogo/artista:
- No domina ni enseña una disciplina concreta.
- Tiene un planteamiento globalizado del arte.
- Es una persona creativa.
- Debe estar abierto a lo que le rodea y recibir de una forma abierta los estímulos que recibe del exterior.
- Es capaz de utilizar los diferentes lenguajes expresivos, capaz de pasar de un código a otro.
- Tiene una concepción del arte como expresión de un  lenguaje total
- Le debe gustar jugar, cantar, bailar…

El pedagogo artista seduce
Georges Laferrière

El taller
El módulo “La plástica de la representación teatral en el medio escolar y socioeducativo” se plantea a modo de taller, pretende transmitir de forma práctica el planteamiento teórico expuesto anteriormente.
La representación teatral se pue¬de hacer en cualquier lugar, sólo hay que saber conjugar los elementos de que dispone ese espacio escénico, las necesidades del texto que se representa o la situación que se vive, y nuestra personal visión de cómo queremos realizar esa escenografía.
Todo eso quiere decir que tenemos las manos libres para poder hacer lo que nuestra fantasía, imaginación y posibilidades nos permitan.

Objetivos:
Conocer la evolución del espacio escénico a lo largo de la historia.
Conocer los elementos escénicos de un teatro.
Elaborar la escenografía para una escena de una obra de teatro.
Aprender técnicas plásticas para la realización de escenarios, vestuarios.
Conocer los pasos para la realización de una escenografía desde un proceso educativo.
Conocer los materiales (características, posibilidades, precios…) con los que se suele trabajar para la realización de un montaje teatral.
Descubrir la interdisciplinariedad del teatro en un proceso educativo.

Iñaki Garate y Josemi Lázaro
Talleristas:

JOSÉ MIGUEL LAZARO BAYARTE
Profesor de pedagogía terapéutica y primaria.
Director de Tiempo Libre.
Máster en Teatro en la Educación.
Alumno de la Escuela Municipal de Expresión y Psicomotricidad “Carmen Aymerich” donde ha trabajado con  Patricia Stokoe, Victor Fontmayor, Carmen Aymerich, Gisel Barret, Georges Laférriere,
Asesor de formación en el Centro de Profesores de Alcañiz a lo largo de tres cursos.
Ha impartido diferentes cursos sobre danzas, expresión corporal, teatro, expresión plástica, la fiesta como recurso educativo… en los CPRs de Teruel, Alcañiz, Utrillas, Andorra, en los Cefires.
Coordinador de grupos de trabajo, seminarios, proyectos de innovación educativa sobre danzas, expresión globalizada, plurilingüismos expresivos…
Formación actoral con Dafni Valor, Pablo Corral, Fabrizio Meschini, Inma Sancho, Chema Cardeña.
Cuentacantacuentos.
IÑAKI GARATE LLOMBART
Licenciado en Bellas Artes en la especialidad de Conservación y Restauración de Bienes Culturales en la Universidad de País Vasco.
Becario en la Academia de España en Roma.
Doctor con mención europea en el año 2011.
Publicación de diversos artículos en revistas y congresos de su especialidad.
Participación en numerosas restauraciones, en particular de pintura mural.
Ha impartido clases en la especialidad de conservación y restauración en la facultad de BB. AA. De la Universidad Politécnica de Valencia.
Formó parte del grupo de títeres “Kili Kolo” llegando a actuar en el IX Festival Internacional de Títeres de Tolosa.
Creador de la escenografía de espectáculos de animación de calle con  muñecos de gran formato.
Ha asistido a cursos de elaboración y manipulación de marionetas con latex.
Ha impartido cursos en CPRs , Centros de Profesores, escuelas de tiempo libre centrados en la elaboración de muñecos y atrezzo empleando como material la gomaespuma.

dimarts, de maig 14, 2013

L'expressió oral al teatre i en àmbits socioeducatius

Algunes idees bàsiques que Jesús Muñoz compartirà amb l'alumnat del Postgrau de Teatre en l'educació sobre l’entrenament vocal de l’actor són les següents:

  1. Volum, control, potència, ritme, bona articulació són algunes de les exigències a les que s’enfronta un actor quan parla en escena. El text s’ha d’escoltar fins i tot si l’actor murmura a cau d’orella  d’algú, s’ha d’entendre a la perfecció i ha de captar l’atenció de l’espectador. A més a més, ha de ser creïble o versemblant, com si eixes idees o expressions escrites per un autor, naixeren en eixe precís instant de la ment de l’intèrpret. 
  2. És aquesta veritat en la veu, aquesta naturalitat un dels objectius principals de l’entrenament vocal. La tècnica vocal ha d’estar al servei d’una dramatúrgia actoral que se sosté des de la veritat, des de l’honestedat de l’intèrpret, des del compromís profund amb el seu cos, les seues emocions i amb la situació que viu dins d’eixe fenomen teatral.
  3. Personalment, prefereix un actor o una actriu a qui em costa entendre-li alguna paraula o frase, però que viu plenament el conflicte de l’escena, que s’exposa i s’arrisca, que sense tindre una veu poderosa o potent, aconsegueix commoure’m. Prefereix a eixe actor o actriu, deia, que a un altre que parla claríssimament, amb un volum alt, una dicció perfecta, però que és incapaç de despertar en mi qualsevol emoció. Em decante per una cara imperfecta però sensual abans que per la perfecció d’una cara que no em sedueix. 
  4. Entrenar la veu no consisteix només en augmentar la capacitat pulmonar, ampliar la tessitura, mecanitzar una articulació perfecta o tindre un control absolut del volum i dels diferents ressonadors. No crec en un entrenament vocal que busca el virtuosisme tècnic. Crec en un entrenament que fa que l’actor estiga present física i vocalment en escena i que el capacita per a gestionar els seus recursos naturals i adquirits de la manera més orgànica, honesta , bella i coherent possible i que fa que els espectadors se n’adonen de què estan davant d’un ésser humà genuí, original i sensible. 


Jesús Muñoz estudia Interpretació Textual a l'ESAD de València (1998-2002) i continua la seua formació amb mestres com Isabel Úbeda, Roberta Carrieri (Odin Teatret), Àngel Bonora, Jorge Picó (Lecoq), Tom Lebhart (Decroux), Pablo Corral, Victòria Salvador, Mª José Peris, Jonathan Hart, Núria Inglada i participa com a alumne en tallers de creació amb Juan Domínguez, Daniel Abreu, Cia. Losquequedan i Federico León, entre d´altres.

És membre fundador de la companyia El pont flotant on ha participat com a creador i actor en tots els seus treballs: What a wonderful war! (2002), Trànsit, el viatge de Juanillo Cabeza (2004), Com a pedres (2006), Exercicis d’amor (2009), Algunes persones bones (2011) i Jo de major vull ser Fermín Jiménez (2013), amb els que ha realitzat nombroses gires per tot l’Estat espanyol i per diferents països de Llatinoamèrica com Colòmbia, Argentina, Uruguai, Nicaragua, Costa Rica i Hondures.

Entre els reconeixements que ha rebut la companyia, destaquen: Millor direcció al Festival Escènia de Foios, València, (2003), Nominació Espectacle Revelació als X Premios Max (2007), Premi Max Aub al Millor Text als XVII Premis de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana (2007), i Nominació a Millor Espectacle als XIX Premis de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana (2009).

Ha treballat també com a actor en La Fura dels Baus, Arden, Teatres de la Generalitat Valenciana, sota la direcció escènica de Jorge Picó, Teatre de Marionetas La Estrella, Det Andet Teater (Dinamarca), o Bambalina Teatre Practicable, i en sèries de televisió com Negocis de família o Les Moreres (per a Canal 9).

Des del 2005 segueix un programa de formació pedagògica al Centre Artistique International Roy Hart (França), dirigit per Carol Mendelsohn i Saule Ryan i des de 2010 imparteix cursos en aquest centre junt a Laurent Stéphane i Walli Höffinger.

Actualment gestiona la programació d’activitats i cursos de formació a la Sala Flotant, és professor de l'assignatura d'Entrenament vocal a l'Escola de Cinema i Teatre Off de València, imparteix cursos de formació actoral i tallers de creació en diferents escoles de teatre i universitats i és professor integrat d’Entrenament vocal en la J.C.A. (Jove Companyia d’Entrenament Actoral) que dirigeix Ramón Moreno.


Continguts del mòdul (com a proposta de treball):

La respiració.
- Consciència del mecanisme de la respiració i de les diferents parts que hi intervenen.
- La respiració diafragmàtica.
- El control de l’aire.

Relaxació-distensió-desbloqueig de les diferents blocs que intervenen en la respiració i emissió del so:
- Extremitats.
- Pelvis
- Columna vertebral (sacre, zona lumbar, dorsal i cervical).
- Costelles.
- Pit i zona clavicular.
- Muscles.
- Coll (zona cervical)
- Atles i crani.
- Màscara facial.

Producció, col·locació, projecció i amplificació del so. Direcció del so i cavitats de ressonància.
- Consciència de la totalitat del cos de l’actor com a ressonador en potència.
- Treball específic de diferents ressonadors: cavitat frontal, cavitat nasal, cavitat palatal, pit i tràquea.

Arrelament.
- El contacte amb el terra.
- Forces contràries: gravetat i posició erecta: la presència física i vocal de l’actor.

. Intensitat i potència.
- Control de l’aire i resistència.
- Qualitats d’energia en la veu.

. Extraversió i introversió del so.

. Connexió cos i veu.
- Desinhibició física i vocal.
- Escolta activa: acció i reacció als impulsos.

L’escolta activa.
- Mímesis sonora.
- Empatía sonora.

Imaginació i expressió vocal.

. La paraula.
- Dicció i articulació.
- Descomposició del text.
- Prosòdia: entonació, pausa i ritme. La intenció.

Veu i personatge.
- Composició física i vocal del personatge.
- Veu i psicologia del personatge.
- Veu i situació dramàtica.
- El subtext en la veu.

Veu i emoció.

La veu cantada i la veu parlada.
- Diferències i similituds.
- El cant polifònic.
- El cant coral com a potenciador de l’escolta grupal.

NOTA: (Algunes notes sobre la dinàmica de les sessions)
    Les sessions tindran un caràcter eminentment pràctic, doncs considere que l’ensenyament de l’expressió oral ha de passar irremeiablement per l’experiència prèvia del docent. Els estímuls, sensacions, emocions i totes aquelles experiències obtingudes a través del treball individual i en grup són un material de gran valor a l’hora d’entendre les dificultats amb les que es pot trobar l’alumne, les seues reaccions, resistències o motivacions davant del treball. No obstant, hi haurà un espai per al diàleg i la reflexió on poder compartir i exposar els dubtes o inquietuds que vagen sorgint en les sessions.
   Considere "expressió" qualsevol  acte que intente comunicar alguna cosa de manera conscient o inconscient. La rialla, el plor, una paraula malsonant, un badall, un crit, el simple so de l’aire en eixir per la boca... comuniquen. Valore un espai on poder expressar-se lliurement sense por a ser jutjat. Per això considere l’escolta, el respecte i el suport entre els participants com les bases fonamentals sobre les quals construir i sostindré aquest espai de llibertat i desinhibició on tota expressió es benvinguda per molt estranya, grotesca o políticament incorrecta  que parega. Perquè és en este espai on en moltes ocasions ens alliberem de vells tabús, vergonyes o antigues costums que limiten la nostra expressió física i vocal.


BIBLIOGRAFIA:

  • PIKES, N. (2005) Dark Voices: v. 1: The Genesis of Roy Hart Theatre (Africa Series) 
  • MONLEÓN, J., HART, R., DOMÉNECH, R., ESTRUCH, J. RÍOS LLORDEN, E. (març 1971) 
  • “ Roy Hart en Madrid”. Revista Primer Acto nº 130 
  • WILFART, S. (1999) Encuentra tu propia voz: la voz como instrumento para tu desarrollo personal.  (Ed. Urano) 
  • CHUN-TAO CHENG, S. (1.999) El Tao de la voz. La vía de la expresión verbal. (Gaia ediciones). 
  • McCALLION, M.  (1999) El Libro de La Voz. (Ed. Urano)
  • LE HUCHE, F. i ALLALI A. (1993) La voz. (Ed. Masson )
  • ALEXANDER, F. MATTHIAS (1995) El uso de sí mismo. (Ed. Urano.)
  • BARBA, E., SAVARESSE, (1999) N. El arte secreto del actor. (Escenología)
  • STANISTAVSKI, K. (2002) La construcción del personaje (Alianza ed.)
  • GROTOWSKI, J. Hacia un teatro pobre, (Siglo XXI Editores, 1980)
  • ARTAUD, A. (1997) El teatro y su doble. (Edhasa)

ENLLAÇOS D’INTERÉS 

  • CENTRE ARTISTIQUE ROY HART http://www.roy-hart-theatre.com
  • ROYHART THEATRE ARCHIVES http://www.roy-hart.com/
  • PANTHEATRE http://www.pantheatre.com/5-international-es.html
  • VOCAL TRAINING AT ODIN TEATRET http://www.youtube.com/watch?v=S97jHiIz6lU
  • VEU FEMENINA EN UN HOME  http://www.youtube.com/watch?v=D5JgnTo0LhU
  • DEFINICIÓ DE LA VEU http://es.wikipedia.org/wiki/Voz_(fonolog%C3%ADa)
  • MOVIMENT DEL  DIAFRAGMA EN LA RESPIRACIÓ http://www.youtube.com/watch?v=nPskeiJW6eo
  • LES 4 DIAFRAGMES EN LA RESPIRACIÓ http://www.youtube.com/watch?v=9JqFWUjxI1Q
  • CORDES VOCALS http://www.youtube.com/watch?v=v9Wdf-RwLcs
  • CORDES VOCALS PARLANT http://www.youtube.com/watch?v=Z_ZGqn1tZn8
  • IMATGES CORDES VOCALS http://www.youtube.com/watch?v=ajbcJiYhFKY
  • TIGER ILLIES (BANDA MUSICAL) http://www.youtube.com/watch?v=zhrGspR0yQo
  • CANTANT I PROFESSORA ROY HART. Laila & Symfobia spiller Brecht – tráiler http://www.youtube.com/watch?v=ruFmMXF6eRE

dilluns, de maig 13, 2013

Danza y expresión corporal

Marta Castañer es una experta en las manifestaciones básicas de la motricidad y en el lenguaje no verbal. Sus dos libros más conocidos son "El poder del lenguaje no verbal del docente" y "Manifestaciones básicas de la motricidad". Además, estamos de enhorabuena porque podemos encontrar la mayoría de sus artículos en la página "Laboratorio de observación de la motricidad".

El contenido de su taller en el Postgrado de Teatro en la educación se centra en un enfoque global y sistémico de la danza como una manifestación más de la motricidad.

Contenido:
- Las esferas de los contenidos motrices.
- Capacidades perceptivomotrices: corporalidad, especialidad, temporalidad, literalidad, ritmo, estructura y organización espacio-temporal, equilibrio y coordinación.
- Capacidades físicomotrices se organizan en torno a los siguientes ejes: músculo-esquelético, cardio-respiratorio, tono-elástico y neutro-muscular. Sobre estos elementos intervienen la fuerza, la resistencia, la velocidad y la flexibilidad y interseccionan con las capacidades de potencia, agilidad, resistencia muscular y estiramiento muscular.
- Capacidades sociomotrices proceden de la combinación entre la interacción, la comunicación, la introyección y la proyección y se interseccionan con la imaginación y la fantasía, la creación y la expresión, la identificación y contrastación  y la colaboración y oposición.

NOTA: A partir de los componentes de cada una de estas capacidades y haciendo combinatorias podemos realizar coreografías.

Técnias creativas en la educación y el teatro


David de Prado Diez  es maestro nacional, Licenciado en Filosofía, Doctor en Pedagogía, Master of Arts  por la Universidad de Stanford. Investiga en el desarrollo de la creatividad, la relajación creativa, el Tarot arquetípico, la búsqueda de nuevas alternativas y métodos de educación y transformación social. Pinta poemas, esculpe reciclando, piensa diseñando. Ambiciona desafíos y utopías realizables para un desarrollo humano integral y liberador. Lidera el proyecto iberoamericano de educación creativa Educrea(te). Desde 1994 dirige el máster de creatividad, presencial y on line. Puedes leer  sus publicaciones en Internet:


http://www.daviddeprado.com/publicaciones.html 


QUÉ? CONCEPTOS. Técnicas de creatividad e imaginación fáciles de aplicar en el mundo de la educación, del teatro y en cualquier actividad humana.

DÓNDE? ESPACIOS aplicación: teatro, educación, elecciones del todas las áreas del saber, problemas de la vida, medio ambiente….

CUÁNDO? MOMENTOS de aplicación. En cualquier momento, por su facilidad de adaptación, su duración acomodable…. Sólo se precisa una grabadora un folio para tomar nota de las ideas y propuestas.

QUIÉN? SUJETOS. Pueden usarlas  todas las personas desde niños a ancianos, individualmente, en equipo, en colectivos comunidades amplias.

POR QUÉ? NECESIDADES que atienden. Deseo de pensar y decidir por uno mismo. Libertad y autonomía. Comunicación abierta, espontánea con aceptación y respeto de todas las ideas. Existe un caudal inmenso del pensamiento consciente e inconsciente en  nuestro cerebro que exige su explotación. Nuestra mente no es una tabla rasa. Tenemos en nuestra memoria confusa una gran cantidad de ideas, imágenes y experiencias almacenadas.

PARA QUÉ? FINALIDAD Y SENTIDO. Para evocar nuestro Estado de pensamiento y acción, ser consciente del nuestro mundo ideo emocional  y proyectarlo y volcarlo en acción, productos, obras, ejercicios, micro proyectos.  Para sentir y reconocer nuestro modo de pensar, decidir, producir y crear. Para fomentar un pensamiento sólido, fluido  y rápido, innovador, analógico metamórfico y auto consciente y reflexivo. Activar las mentes creativas

CON QUÉ? INSTRUMENTOS.  Usamos cuatro técnicas básicas de creatividad, imaginación e innovación.

  •    El torbellino de ideas para pensar democráticamente, sin censura escuchando las ideas y propuestas de los demás y  para obtener en breves minutos un repertorio de alternativas y soluciones suficientes.
  •       Metamorfosis total del objeto para transformar cualquier objeto, concepto o material de múltiples formas, de modo que el pensamiento no sea estático, sino que pueda concebir la realidad como mudable en una época tiempo donde las cosas cambian críticamente  muy rápidamente.
  •      Analogía inusual.  para asociar y relacionar temas que nunca han estado conectados, propiciar el uso de imágenes, símiles y metáforas para comprender mejor la realidad y tener visiones nuevas.
  •      La relajación creativa para relajarse, combatir el estrés, llevar  al cerebro y al organismo en una dinámica serena, sin agobios, sin prisas y altamente productiva, creando desde las vivencias, recuerdos y deseos de cada sujeto.

QUÉ? TEMAS Y  ASUNTOS. Se eligen los temas que el grupo desea abordar, aplicando a cada una de las distintas técnicas de creatividad, hasta producir un servicio, obra o iniciativa realmente nueva y atractiva para el grupo.

  •      En el caso del teatro se pueden aplicar las técnicas de creatividad al foco, micrófono, máscara, telón, papeles o roles, personajes,  o  directamente al tema que el grupo de teatro desea desarrollar creando su propio texto, su escenografía, su vestuario,….
  •       En el caso de la educación se pueden  aplicar las técnicas a cualquiera  lección de cualquier área o materia en sustitución de la  exposición magistral. Los alumnos construyen el texto de la lección. También se pueden aplicar las técnicas de creatividad a los problemas de la educación como la disciplina, la motivación o desmotivación, la pasividad, la  indiferencia y falta de participación de los alumnos, para que ellos mismos en grupo aporten soluciones pertinentes.
 PARA QUÉ?  LA CREATIVIDAD. Genera una mente fluida, flexible, original, rápida, automática, productiva. En un clima democrático y seguro  de tolerancia y apertura a nuevas ideas, para ir más allá de lo conocido, y producir objetos, servicios y proyectos realmente nuevos, inéditos y originales. Es el camino para emprender nuevos negocios creados desde los intereses, las habilidades, los puntos fuertes de los participantes para atender a las debilidades y necesidades sociales detectadas.

diumenge, d’abril 14, 2013

Análisis de un espectáculo escénico

Emili Baldellou
Módulo a cargo de Emili Baldellou, titulado en Arte dramàtico (especialidad Dirección y dramaturgia) por el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona. Profesor del Aula de Teatre de Lleida, de la Universitat de Lleida i del Institut del Teatre de Terrassa. Crítico de teatro del diario Segre de Lleida.


Análisis de los signos escénicos (desde el constructor del espectáculo):
- Espacio teatral, espacio escénico y espacio dramático.
- La acción (interés dramático. El conflicto: progresión y clímax).
- El personaje: el sujeto de la transformación. Arquetipo, estereotipo, carácter y
alegoría.
- La interpretación (tipo de actor, registro).
- El género (tragedia, comedia, drama y subtipos).
- La escenografía (espacio vacío u ocupado).
- La caracterización (maquillaje e indumentaria).
- El espacio sonoro (incidental/no incidental).
- La iluminación (funciones).
- El ritmo (interés escénico).


Aspectos para descifrar un espectáculo:
1. Sinopsis argumental (en términos de acción).
2. Género (comedia, tragedia, drama, evolución de un género a otro...).
3. Tipo de actor (narrador, dramático, performer, polivalente...).
4. Personaje (arquetipo, estereotipo, carácter, alegoría...) 5. Interpretación (registro realista o no realista).
6. Clave estética (asociado a referentes artísticos).
7. Espacio (dinámica: estático o evolutivo; significado realista o metafórico).
8. Narratividad: lineal, no lineal, metateatral.
9. Relación espectáculo-espectador (física, escénica y dramática).
10. Dinámica de la recepción (a nivel narrativo, emocional y estético).

Decálogo del lenguaje escénico:
I. “El teatro” (theatron) significa literalmente “el lugar donde se mira”. Se trata, pues, de un observatorio dónde se pretende descifrar la realidad. O, cuanto menos, de interpretarla de algún modo.
II. El actor ofrece su interpretación al espectador respecto a la realidad que representa. En resumen, el arte del actor consiste en desaparecer y hacer que un personaje ocupe su lugar. Dicho personaje nos traslada a una realidad de ficción, más real que la realidad exterior al teatro.
III. El actor aspira a conmover al espectador, a afectarle emocionalmente a fin de que su interpretación cristalice y no se disuelva al regresar a la realidad exterior. Por tanto, el éxito de un actor debe medirse por las reacciones físicas (contracciones, espasmos y secreciones) que logre activar en el organismo del espectador.
IV. El espectáculo, en el fondo, es la puesta en escena de una transformación: bien de la situación dramática, bien de los personajes, pero en todo caso del espectador.
V. El teatro se dirige a la imaginación y se digiere tras pasar por el cerebro, el corazón y el estómago. Se metaboliza mediante dicho proceso fisiológico; en caso contrario, se excreta y se eliminan los restos del organismo.
VI. Es necesario que el espacio escénico se encuentre en permanente transformación y permanezca lo más vacío posible. Corresponde a la imaginación del espectador llenar ese espacio.
VII. Actor y espectador son los polos de un circuito en flujo permanente. El espectador debe descifrar los códigos escénicos que le ofrece el actor, por lo que interviene activamente en el espectáculo, al ser intérprete de dichos códigos.
VIII. El ritmo es la única arma de que dispone el director para mantener el interés del público. La música es el lenguaje artístico más próximo al teatro porque también se construye a partir del ritmo.
IX. El actor es el horno donde bullen las pasiones que el personaje necesita para poder actuar. El trabajo del director consiste en vigilar el horno.
X. La teatralidad es la esencia del teatro. Su búsqueda es la misma que la del alquimista que persigue crear oro.

dimecres, d’abril 10, 2013

Hacia una interpretación física

Ramón Moreno
Ramón Moreno director artístic del projecte "Jove Companyia d'Entrenament Actoral" ens presenta els seu programa de curs:


Licenciado en Arte Dramático, es profesor de teatro y director de escena.
Desde 1985 dirige la “ESCOLA MUNICIPAL DE TEATRE DE SILLA” (Premi Narcís blanc de l’AAPV, Premi Micalet de les Arts Escèniques de la GeneralitatValenciana y Porrot d’Honor a l’activitat cívica de l’Ajuntament de Silla), donde ha publicado en 2009 el libro conmemorativo de su vigésimo quinto aniversario UN VIATGE DE LLARG RECORREGUT.

Actividad que compagina con la puesta en escena de más de setenta obras, entre las que destacaríamos:
QUESTI FANTASMI! de De Filippo, L’EXCEPCIÓ I LA REGLA de Brecht, L’ESTRANY GENET de Ghelderode, EL CASAMENT de Brecht, ULISSES de Jaume Policarpo, AQUÍ RADIO ANDORRA de Cardeña, Juan y Pastor, L’ILLA DEL TRESOR de Stevenson, LA MANDRÀGORA de Maquiavelo, EL LLIBRE DE LA SELVA de Kipling, NIT GOLFA de Carles Pons, EL RETORN DE ROBIN HOOD de Vicent Vila, AQUELLA NIT AMB LLUIS de Kevin Elyot, VODEVIL de Enric Benavent, LA LLEI DE LA SELVA de Elvira Lindo, IGLÚ de Roberto García, LOS MELINDRES DE BELISA de Lope de Vega, GUIÓN de Javier Ramos, IVAGINA de Eve Ensler, DIVINES PARAULES de Valle-Inclán, DESPUÉS DE LA LLUVIA de Belbel, LA SERVA AMOROSA de Goldoni, LOS GUERRILEROS Y LA CÁRCEL de Max Aub, LISÍSTRATA de Aristófanes, CRUZADAS de Azama, BAAL de Brecht, LA SANG de Belbel, TARTUF de Molière, JOCS DE MASACRE de Ionesco, L'ÀNIMA BONA DE SEZUAN de Brecht, YO, UBU de Alfred Jarry…

Ha trabajado para Teatres de la Generalitat Valenciana, el Centre Teatral Escalante, Bambalina Teatre Practicable, Posidònia Teatre, Capsigranys, Engrata Teatre, L’Horta Teatre…

Coordina la serie de libros sobre pedagogía teatral “Magistrales de la EMT de Silla” y está preparando la colección “Quaderns de treball”.
Director de actores y puesta en escena en programas de televisión como AUTOINDEFINITS, SOCARRATS, EVOLUCIÓ, CHECK-IN HOTEL…

Actualmente es profesor de Interpretación en el CONSERVATORIO PROFESIONAL DE DANZA y en la ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO de Valencia donde imparte clases desde 2002. Es también director artístico del proyecto JOVE COMPANYIA D'ENTRENAMENT ACTORAL/TEATRE DE L'ABAST.

diumenge, d’abril 07, 2013

Juli Hurtado, sin la música no se puede vivir


“Sin la música no se puede vivir”, dice Juli Hurtado sentado en el aula ante sus nuevos alumnos, formando todos un círculo  expectante de emoción ante él, dispuestos a iniciar un nuevo taller desde la armonía y el bienestar,  siendo esta la máxima del Postgrado “Teatro en la Educación”. Y es que, además, los directores del curso  han creado expectativas en torno a su persona . “Ya veréis, Juli es especial”.  Y es que, en realidad,  el boca a boca  prospera o, mejor cabría decir que de sonrisa en sonrisa,  él cautiva tanto a sus cantantes, ya sean los del Coro de la Eliana, el Coro de la Canyada o el Coro de la Once, como a su público,  ya sean, unos y otros,  niños, adolescentes o adultos.

Empieza a impartir su módulo otorgando protagonismo al contenido, la expresión musical, y casi sonrojado por la presentación de su curriculum que acaba de hacer Tomás Motos destacando las claves de su brillante formación y trayectoria  profesional. Juli Hurtado es la encarnación de la discreción y la humildad. Practica como pocos hoy en día las enseñanzas de aquél otro maestro y tiene la sabiduría de sentirse vivo porque sigue deseando aprender. Por otra parte, tiene un carisma personal extraordinario ya que hace sentir  a los que de inmediato hace suyos que son partícipes de ese  mutuo aprendizaje.

Con las manos sobre las piernas, el torso inclinado hacia delante, la mirada transparente y brillante, la sonrisa limpia, nos ofrece la pose y el discurso de quien se entrega con la mayor sencillez y naturalidad, casi como un acto devoto y se queda así en segundo plano, mostrándose como un simple apuntador de ideas para que sus nuevos alumnos expresemos emociones. Nos conquista de inmediato con esa autenticidad que emana directamente del corazón, rara avis en nuestros días  -“tiene ángel” dicen los que lo conocen - y  de esta forma, arropados y seguros,  estamos todos deseando ponernos a trabajar con él y corresponderle.

El taller de percusión, todos en pie, imitando sus gestos y palmadas sobre nuestro propio cuerpo para desarrollar la memoria corporal y auditiva despierta al niño que hay dentro de cada uno de nosotros y ya todos somos uno vibrando a su ritmo. Ese caudal de energía humana acompasada por una algarabía de risas es como el allegro de su peculiar, su cálida sinfonía que acaba de arrancar con los primeros movimientos.    Pero la poesía brota después, como de un adagio, cuando al compás de un tema de Haendel inicia él la ronda de expresión corporal que todos imitamos seguidamente; uno tras otro, interpretamos un fragmento, conmovidos por la música, y Juli, junto a los demás, se convierte en discípulo de nuestra interpretación o narración reproduciendo nuestros gestos, la dulzura de los movimientos, la reverencia del cuerpo, las actitudes, el ensimismamiento, la queja o el llanto…
 Luego, quizá a modo de scherzo, saca de su chistera un nuevo juego y  propone que nos convirtamos en presentadores: tenemos que  salir al centro del escenario, espacio que hemos configurado todo el grupo al estar dispuestos en círculo, e improvisar la presentación de un espectáculo, el saludo inicial al público; primero lo hace él, de una forma sencilla y ello te da seguridad. Aún así te embarga cierto  nerviosismo  en ese compás de espera mientras te toca a ti y vas viendo la brillante actuación de tus compañeros, cuál de ellos más original. Pero la magia de la creatividad es tal y él ha logrado generar vínculos tan cómplices entre todos que, finalmente, sientes que los focos se iluminan y sales a escena sin haber tenido tiempo de pensar;  tu actuación parece surgir de la nada y, sin embargo, sale bien y el grupo te aplaude con cariño y entusiasmo.

Como un nuevo allegro final, llega el momento del canto  y el bienestar va in crescendo en este concierto de mil colores y notas vivaces que Juli va improvisando y en el que cada vez nos sentimos más cómodos y más felices.  Todos somos capaces de expresar nuestros sentimientos  con la voz, así nos lo hace sentir también Juli  a todos los que cantamos en sus coros; no son necesarias ni las partituras ni los textos pues modula nuestra expresión ilustrando su propio canto, el que vamos a imitar seguidamente las distintas voces, con esa profunda sensibilidad y verdadera poesía que nos logra hacer vivir: “la voz sube como en una cúpula y baja como una burbuja…” Incluso dirige el timbre, el ritmo o la intensidad  con apreciaciones sencillas pero jugosas  respecto del autor, del contenido del texto o de su procedencia cultural que despiertan la afectividad o las risas de los coralistas porque Juli tiene también cierta comicidad contagiosa. No es sorprendente, pues, que los conciertos que él dirige  sean verdaderos espectáculos teatrales que incorporan no solo el canto, sino también la sonorización, la recitación,  la expresión corporal, la disposición escénica, el vestuario, etc.; ni sorprende tampoco que logre una activa participación del público que se entrega y le devuelve el mismo afecto. El módulo que imparte en el Postgrado de Teatro en la Educación es una buena muestra de ello. Ahora, sentados de nuevo como un coro de niños en el suelo, entonamos una canción popular con el acompañamiento de nuestras palmadas y ciertos juegos con las manos y con el cuerpo. Pronto descubre dos tonalidades diferentes dominantes y  ha conseguido implicarnos en el proceso creativo de tal manera que con solo repetir de forma memorística un par de veces dos o tres estrofas de un villancico, somos capaces de cantarlo a dos voces, graves y agudas. Y suena a gloria porque se expresa con enorme placer y emotividad. Así, compruebo a mi alrededor la expresión de increíble felicidad de algunos compañeros, mezcla de sorpresa y satisfacción, sintiéndose verdaderos cantantes y actuando por primera vez en un coro.

Entre actividad y actividad, y durante las mismas,  él encuentra el momento para hacer algún comentario divertido, contar alguna anécdota, interesarse por el estado de ánimo del grupo; en los minutos de descanso se acerca a unos y otros, se interesa personalmente por las cuestiones o preocupaciones que alguien le pueda trasladar, propicia el intercambio de impresiones… Siempre con el abrazo, la sonrisa y ofreciendo palabras de cariño a quienes ya forman parte de su mundo : “¡Ai, la meua Esther!

Bien es cierto que la música es el lenguaje más universal pues une culturas, razas, generaciones, épocas: establece lazos en el espacio y en el tiempo. Como todas las artes, nos hace pensarnos y sentirnos más humanos. Es también una búsqueda de armonía y de belleza. El talante personal y el trabajo de Juli Hurtado son un buen exponente de ello. “Juli, tu cálida sinfonía nos ayuda a vivir”. Nos haces vibrar de emoción, potencias lo mejor de nosotros mismos. Con tu capacidad de entrega, nos haces llegar tu deseo de hacernos felices. Nos gusta compartir, aprender y crecer contigo. Gracias a ti el mundo es un poco mejor.

Retrato de Juli Hurtado por Amalia  Granero

dijous, de març 14, 2013

Música, teatro y educación

La música es un lenguaje universal que no entiende de idiomas sino de emociones y que llega a todas las personas por igual. Es cierto que depende de nuestro estado de ánimo y en ocasiones de nuestra propia sensibilidad el entenderlo.

Juli Hurtado

Con estas palabras presenta Juli Hurtado el taller que hará en el DIPLOMA DE TEATRE EN L'EDUCACIÓ: PEDAGOGIA TEATRAL. 3a EDICIÓ y lo hace a través de su nuevo blog que os invitamos a seguir: MUSIDRAMAEDUCA.  Juli es profesor de la Facultat de Magisteri y pertenece al Institut de la Creativitat i Innovacions Educatives de la UVEG.

dimarts, de març 12, 2013

Evaluación de las prácticas escénicas

Tomás Motos. Postgrado de Teatro en la Educación

Cuando se trata de la evaluación de las prácticas escénicas hay que contestar a las preguntas: ¿qué tipo de evaluación? ¿para qué evaluar? ¿qué evaluar? ¿quién evalúa? ¿cómo evaluar? y ¿cuándo evaluar?

Tomás Motos 

¿Qué tipo de evaluación en Teatro y educación?
Evaluar es un proceso en el que se recoge información, se compara o contrasta y se toman decisiones al respecto. Considerando la complejidad del Teatro en la Educación y las pautas que rigen el nuevo paradigma educativo emergente, es necesario conceptuar  la evaluación de la creatividad dramática aplicándoles los rasgos con que Bordas (2000) caracteriza  la evaluación educativa en general.  A saber:  formadora (centrada en el auto aprendizaje), continuada (basada en una actitud de valoración permanente que reemplaza el momento por la continuidad), comprensiva e inclusiva de lo multicultural (toma en consideración la diferencia, las ideologías, los valores socioculturales, creencias y sentimientos del sujeto) y adaptativa y polivalente (oferta alternativas diferenciadas de procedimientos e instrumentos y considera que cualquier situación de aprendizaje o formación puede ser utilizada con fines evaluadores).


Por todo ello, una evaluación en Arte dramático en cualquiera de los distintos niveles educativos tendría que ser :
- Una evaluación informal, intuitiva, integrada en los procesos de aprendizaje y en los de análisis reflexivo personal, que acepte la borrosidad, la incertidumbre, la duda, ya que éstas forman parte intrínseca de la realidad que se trata de evaluar, la creatividad dramática. Una evaluación que  supere lo meramente planificado, por lo tanto no estará fija ni estática en el tiempo, de modo que los procesos evaluativos se regularicen en la cotidianidad del trabajo de enseñanza-aprendizaje.
- Una evaluación que integre la importancia de las representaciones, la creencias e ilusiones de los sujetos,  y, aún más, la distancia cultural entre los enseñantes y el alumnado, que evite toda normalización, que acepte que no todos adquieren las mismas competencias y que respete la intimidad de la persona.
- Una evaluación en la que intervengan diferentes actores: alumnos, profesores, institución, etc., donde se respeten los distintos puntos de vista,  basada en multicriterios compartidos; que tenga en cuenta interacciones múltiples; que integre la evaluación de competencias colectivas y esté centrada tanto en los productos como en los procesos, el contexto y la persona.

Más que de medida en el caso de la evaluación de las prácticas escénicas tenemos que hablar de valoración  (assessment). Y desde esta óptica se trataría de una evaluación alternativa (alternative assesment) en el sentido de que utiliza medios no tradicionales  para recoger las evidencias de la creatividad, tales como portafolios, representaciones y actuaciones (performance) y otros productos artísticos,  que se valoran  sobre criterios establecidos por los profesores y estudiantes. Y, además, comporta la observación directa del rendimiento del alumnado.

Se trataría de una valoración en curso,  continuada (ongoing assessment), que sigue  la pista del aprendizaje  creativo del estudiante por medio de  su actuación en tareas que son parte del proceso de desarrollo de las actividades que componen en currículum o el programa de taller. La evaluación en curso,  que se centra sobre muestras de trabajo agrupadas por resultados/productos manifestados, proporciona datos acumulados para una posterior evaluación sumativa. El principio general es que la evaluación en creatividad dramática  tiene que ser  una más de las actividades que se realizan en el transcurso del desarrollo del currículum de esta materia.

También se trataría de una valoración de actuaciones y representaciones (perfomance assessment) pues se hace sobre  la observación del proceso de creación de  resultados  que demuestran las competencias y son evidencia del aprendizaje generado por el estudiante. Por ejemplo: la realización de una danza o un monólogo, cantar una canción, escribir un guión, hacer el diseño de maquillaje para caracterizar a un personaje, etc.). Los resultados de la evaluación creativa en dramatización a veces son  difíciles de presentar  por escrito, porque ésta, al igual que la representación teatral, es efímera y fugaz. Este tipo de evaluación se ha de realizar utilizando el desequilibrio y lo lúdico, pues si no se estropea la espontaneidad, componente básico de la actividad dramática.  Por tanto, dada la naturaleza de nuestro objeto de estudio podemos establecer como principio general que cualquier actividad teatral o de dramatización puede servir para evaluar la creatividad dramática.

A continuación, como ejemplo de los muchos intrumentos que utilizamos, ofrecemos tres intrumentos: uno cuantitativo; otro mezcla de cuantitativo y cualitativo; y un tercero, cualitativo.

 Rúbrica para la valoración de la expression oral en chicos y chicas de 12 a 16 años


Sistemáticamente eficaz (4)
Generalmente eficaz (3)
Mejorable (2)
Raramente eficaz
Volumen

Escuchado por todos los espectadores todo el tiempo

Escuchado por la mayor parte de los espectadores la mayor parte del tiempo

Escuchado por todos los espectadores solo a veces

No audible por los espectadores

Dicción/articulación

Pronuncia clara y correctamente  siempre

Pronuncia clara y correctamente  la mayor parte de las veces

Dice a veces confusa e incorrectamente los diálogos

Dice el diálogo confusa e incorrectamente

Velocidad

Varía apropiadamente la velocidad para decir los diálogos

Varía a veces la velocidad para apoyar el diálogo

A veces demasiado rápido para apoyar el diálogo

Demasiado rápido

Tono

Utiliza variedad de tonos para caracterizar personajes y comunicar ideas

Utiliza el tono para caracterizar personajes y comunicar ideas

Utiliza poco o  nada el tono para caracterizar personajes y comunicar ideas

No utiliza el tono para caracterizar personajes y comunicar ideas



 Instrumento para la valoración creativa de un taller

1. Indica el interés que ha supuesto para ti el taller.
         Muy bajo                                                                                   Muy alto

2.    Indica la utilidad personal que ha tenido para ti el taller.
         Muy bajo                                                                                   Muy alto

3.   Indica la utilidad profesional que ha tenido para ti el taller.
Muy  bajo                                                                                                Muy alto

4.   En este  taller me he sentido como...

5.   A este taller le ha faltado...

6.   A este taller le ha sobrado...

7.   Este taller me ha servido para... 

8.   Haz un torbellino de ideas sobre lo que  evocas, sientes, etc. de este taller.    

9.   Expresa con un dibujo lo que ha sido para ti este taller.


Parrilla para valorar representaciones/productos escénicos

Tras asistir a un espectáculo, valóralo subrayando del listado de atributos dados para cada indicador los que consideres más adecuados en tu opinión. Puedes añadir otros nuevos en el espacio de los puntos suspensivos.

Indicador
Atributos
Novedad, originalidad
Innovación, nuevo, sorpresa, inventiva, innovador, joven, original, fresco, único, experimental, inédito, fuera de la norma, inusual, fuera de las tendencias actuales, atrevido .....................................................
Flexibildiad, amplitud de registro
Variedad, diversidad, de gran extensión, destreza, gama amplia, ingenioso, evidencia de inclusión de muchos elementos  ....................
Fluidez, ritmo de interpretación
Continuidad, fluido, buena distribución del tiempo, coordinación, flujo sobre el escenario ........................................................................
Contraste
Yuxtaposición de ideas, contraste, .......................................................
Asunto (lo narrado)
Tiene argumento, narración, buena narración sin depender únicamente de los diálogos, argumento coherente, tiene estructura dramática clara, clímax, .......................................................................
Imágenes sensoriales provocadas
Visual, auditivo, lleno de imágenes, color, vibrante, provoca la memoria afectiva, imaginativo, ...........................................................
Emoción provocada en el espectador
Humor, atractivo, encanto, gusto, sorpresa, disfrute, diversión, ...............................................................................................................
Emoción del intérprete/actor
Pasión, el actor expresa sus propios sentimientos, facilidad, don, estilo, expresividad, apasionamiento, ..................................................
Relación entre intérprete y espectador
Conexión, compenetración, complicidad, distancia, comunicación con los espectadores, interacción, atracción del espectador, capta la atención, implica, convincente, interesante, mantiene el interés, evidencia de cualidades agradables, ....................................................
Elaboración
Auténtico, creíble, bien terminado, trabajo bien hecho, ......................
Contenido
Transmite ideas a través del sonido, de la imagen, etc.; imaginación,
.............................................................................................................

Si se trata de un espectáculo realizado por participantes del taller  se podrían añadir los siguientes indicadores:
trabajo en grupo/dinámica grupal, cohesión grupal,
adecuación entre movimiento y voz, concentración,
dicción y articulación, disciplina, ...